televisie regisseur Hiro Murai heeft een expertise voor het maken van exhibits die filmisch aanvoelen. Of hij nu een komedie of drama regisseert, zijn liefde voor contrastrijke beelden, galgenhumor en suggestieve camerabewegingen tillen elk script naar een heel nieuw niveau. Kenmerken van Murai’s stijl zijn onder meer luchtopnamen, vloeiende camerabewegingen en auditieve crescendo’s die de spanning van een sequentie versterken. Hij is een meester als het gaat om het omhullen van een schot in het donker, waardoor de blik van de kijker naar een bepaald brandpunt wordt getrokken. Om beter te begrijpen hoe Murai zijn benijdenswaardige stijl bereikt, zal dit artikel drie unieke seizoenspremières onderzoeken, geregisseerd door Murai, en beschrijven hoe hij elk van hen voorbeeldig maakte.

COLLIDER-VIDEO VAN DE DAG

Kruipende Dread & Framing in Station Elf

De première-aflevering van HBO Max miniserie Station Elf, “Wheel of Fireplace”, is een masterclass in de stijl van Murai. Zelfs ondanks de somberheid van Station Elf‘s onderwerp, een dodelijke pandemie, vindt Murai manieren om donkere komedie en ironische muziekkeuzes te integreren. Zoals in het merendeel van Murai’s werk, zijn er momenten waarop een groot deel van het scherm zwart is en slechts een strookje van een afbeelding zichtbaar is. Murai verduistert ook een paar photographs in “Wheel of Fireplace” met objecten op de voorgrond, een keuze die voor een further beetje voyeurisme en mysterie zorgt. Het meest lovenswaardig is dat “Wheel of Fireplace” Murai’s stijlvolle kadrering en luchtfoto’s heeft, die samen een werkelijk prachtige televisie-aflevering vormen.

De aflevering begint met wilde zwijnen die rondsnuffelen in een met planten bedekt gebouw in een scène die doet denken aan een videogame (en aanstaande) HBO serie) De laatste van ons. Hier ziet de kijker verbluffende openingsbeelden die snel een verhaal overbrengen. De contrastrijke beelden duiden zowel op tragedie als mysterie. Het met planten overspoelde gebouw suggereert dat deze plek lang genoeg verlaten is geweest dat de natuur het heeft teruggewonnen. Wanneer de kijker een Affiche tijdschrift met karakter Arthur Leander (Gael García Bernal) op de omslag wordt duidelijk dat dit een vernietigde versie van onze wereld is. Kruipende camerabewegingen en opnamen die door duisternis worden omgeven of in tweeën worden gedeeld, worden begeleid door een crescendo van tsjilpende insecten, wat de angst nog verder aanwakkert. Dit is een visie op de apocalyptische toekomst van de aarde, tot stand gebracht zonder dialoog in een paar bekwame photographs.

De volgende scène presenteert een theater gehuld in duisternis. De ogen van de kijker worden op natuurlijke wijze aangetrokken door de rechthoek van wit en blauw licht op het podium, waar de acteurs Shakespeare uitvoeren. Arthur van Bernal staat centraal, maar zijn gezicht wordt gemaskeerd door schaduwen, een element dat zijn ondergang voorafschaduwt. Arthur stort halverwege de voorstelling in door een hartaanval en een toeschouwer, Jeevan (Himesh Patel) snelt het podium op om te helpen, al snel beseffend dat hij slecht toegerust is om Arthur te redden. De subtiele camerabeweging, waakzame ogen van figuranten en spannende muziek laten de kijker Jeevan’s angst voelen. Prop sneeuw valt terwijl Arthur lijdt, wat een further gevoel van dood en verval creëert. Blokken duisternis omlijsten Jeevan, zijn gezicht verduisterend en toch suggererend de mengeling van ontoereikendheid en bezorgdheid die hij voelt. Terwijl een arts Arthur defibrilleert, kiest Murai een opname van bovenaf van de scène die langzaam boven de actie draait, alsof hij de reis van een geest naar de hemel volgt.

VERWANT: Mackenzie Davis ‘onvergetelijke ‘Station Eleven’-uitvoering was Emmy-waardig

Voyeurisme en bewegende digital camera’s in Barry

Murai speelt met verduisterende actie en voyeurisme in zijn regiestijl, waarbij hij vaak beperkt wat de kijker kan zien om hem het gevoel te geven achter gesloten deuren te gluren. Dit kan gedaan worden om spanning te creëren, zoals vaak gedaan wordt in Station Elfof het kan worden gebruikt voor komische doeleinden zoals op HBO’s Barry. In de door Murai geregisseerde première van het tweede seizoen, “The Present Should Go On, Waarschijnlijk?”, geeft de eerste scène de kijker het gevoel dat hij een buitenstaander is die worstelt om een ​​betere kijk op de process te krijgen. Dit is een slimme manier om de kijker meteen te laten investeren. Ze zijn niet alleen nieuwsgierig om te begrijpen waar het verhaal dit seizoen naartoe gaat, ze moeten ook uitpakken wie al deze nieuwe personages zijn terwijl ze slechts een glimp van een glimp opvangen.

Murai begint deze scène met het tonen van een deur van een appartement. De digital camera trekt zich terug en onthult een geladen pistool dat recht in de richting van de deur is gericht. De persoon die het pistool richt klopt aan, klaar om iedereen neer te schieten die antwoordt. In eerste instantie kunnen we de bewoner van het appartement niet zien, maar we kunnen hem horen ruziën met zijn vriend over wie de television magazine bedienen. Wanneer de man de deur opendoet, is zijn hoofd afgewend, nog steeds gericht naar de persoon met wie hij ruzie heeft, waardoor hij het pistool niet opmerkt dat recht op hem gericht is. Zich niet bewust van het gevaar waarin hij zich bevindt, doet de man de deur een beetje dicht, waardoor het moeilijker wordt voor de kijker om hem te zien, en blijft hij ruzie maken over de television. Hij zwaait de deur nog een keer open om aan te geven dat hij het pistool eindelijk zou kunnen opmerken, om het vervolgens weer half te sluiten, nog steeds verwikkeld in zijn kleinzielige meningsverschil. Deze onmiddellijke dubbele beat van de grap is hilarisch en creëert een beetje belachelijke spanning, waardoor de kijker bijna tegen zijn eigen televisie moet schreeuwen: “Cease met praten en kijk naar het pistool!” Wanneer de man eindelijk doet let op het pistool, de schutter reageert door hem dood te schieten.

In de scène die volgt, krijgen we een fantastisch stukje framing van Murai, die nog steeds in de stemming is om te spelen met de verwachtingen van het publiek en voyeurisme. Hoewel terugkerend personage Fuches (Stephen Root) aan het woord is, laat Murai hem zo inlijsten dat hij voornamelijk buiten beeld is met alleen zijn arm en been zichtbaar. De ramen in de kamer creëren een paar diagonale lijnen die de aandacht van de kijker trekken naar een ander nieuw personage, de klant van Fuches, die uit het raam staart naar iets dat de kijker niet kan zien. De kamer is donker, afgezien van de klant, die door de open gordijnen daglicht op hem laat schijnen. Zijn relatieve helderheid lijkt een andere indicatie te zijn dat Murai licht en donker gebruikt om de moraliteit van een personage weer te geven. In tegenstelling tot Fuches heeft de cliënt een geweten en is hij geschokt door de suggestie van moord. Het gesprek wordt onderbroken door een crescendo van politiesirenes als de schutter uit de vorige scène op hun deur klopt. Hier ontvangt de kijker de derde tel van de eerdere door gag. Wanneer Fuches de deur beantwoordt, wordt de schutter neergeschoten door off-screen politieagenten. Als reactie sluit Fuches de deur voor de stervende man, alsof wat er aan de andere kant gebeurt niet zijn probleem is.

Murai’s liefde voor camerabewegingen en foto’s die reizende onderwerpen volgen, is ook te zien in deze aflevering, met een opname op vrolijke muziek die een opgewekte NoHo Hank volgt (Anthony Carrigan) terwijl hij door een magazijn vol bendeleden slentert. In een reeks crossfades presenteert Murai Hank’s nieuwe plezierige misdaadleven. Hank is vooral blij met Cristobal, een mede-bendeleider die hij enorm bewondert. De digital camera beweegt soepel en zacht terwijl Cristobal een op misdaad gerichte motiverende toespraak houdt voor de bendeleden, en vervolgens vervaagt tot een foto van de bendeleden die genieten van een familiediner, terwijl een ontvoerde chef-kok leeg de ruimte in staart. Hier zien we Murai popmuziek gebruiken om een ​​luchtige sfeer te creëren in een gevaarlijke situatie, een tactiek die hij vaak in zijn werk gebruikt met een groot komisch impact. De crossfades blijven a Prime Gun-achtig volleybalspel tussen de bendeleden, gevolgd door Hank die zijn gedachten in mattress typt als een meisje van de middelbare college die een dagboek schrijft. Hoewel Murai zich vaak bezighoudt met donkere onderwerpen, zien we hier hoe zijn stijl met groot impact wordt gebruikt in Barry’s bredere, heldere momenten ook.

Murai regisseerde een overgrote meerderheid van Atlanta‘s afleveringen, en als gevolg daarvan is de iconische stijl van de present een hybride van zijn unieke visuele scherpzinnigheid en Donald Glover‘s briljante combine van komedie en sociaal commentaar. De derde seizoensopener, “Three Slaps”, is bijzonder filmisch, omdat het er opvallend gepolijst uitziet en functioneert (zoals een paar afleveringen van seizoen 3) als een op zichzelf staand verhaal gericht op personages buiten de hoofdcast van de present. De openingsscène van de aflevering begint op de typische Murai-manier met een contrastrijke luchtopname die van een snelweg naar een meer gaat waar alleen een door lantaarns verlichte boot zichtbaar is.

Twee vissers, de ene genaamd Black en de andere genaamd White, zijn aan het nachtvissen terwijl ze discussiëren over de zogenaamd spookachtige stad onder water. Murai zorgt voor een prachtige extreem lange opname van de twee vissers in het donker met een verlichte brug erboven. Terwijl White het verhaal van de overstroomde stad gebruikt als een metafoor voor hoe witheid een persoon blind kan maken, keert hij zich van Zwart af, en het licht rond elke man dimt, vervangen door duisternis. Elke figuur is gehuld in schaduwen totdat White zich uiteindelijk omdraait en een bleek spookachtig gezicht onthult met ontbrekende ogen. Murai zorgt voor lichtsignalen en kaders die de metafoor accentueren in Stephen Glover‘s script, waaruit blijkt dat raciale onderdrukking en geweld het spookverhaal zijn dat Amerika in de moderne tijd nog steeds achtervolgt.

In het hoofdverhaal van de aflevering, een jongen genaamd Loquareeous (Christopher Farrar) realiseert zich dat zijn nieuwe adoptieouders Amber (Laura Dreyfuss) en Gayle (Jamie Neumann) zijn iets sinisters van plan. Amber beweert dat het hele gezin op gezinsuitstapje naar de Grand Canyon gaat, maar in werkelijkheid beramen Amber en Gayle een plan om zichzelf en hun geadopteerde kinderen te vermoorden door hun minibusje in de rivier te laten vallen. Geparkeerd om de hoek van de eerder genoemde brug, kijkt Loquareeous toe terwijl het paar letterlijk en figuurlijk naar de duisternis loopt, alleen verlicht door de lichten van een nabijgelegen prikbord.

Deze opname is klassiek Murai, aangezien slechts een fractie van de scène verlicht of zichtbaar is, maar de emotionele en verhalende influence volledig wordt gerealiseerd. Gayle, meestal in het donker met het licht op haar rug, probeert Amber ervan te overtuigen dat een moord-zelfmoordcomplot de beste stap voorwaarts is voor hun geadopteerde kinderen. Amber, huilend, haar gezicht verlicht in melancholisch blauw, kreunt: ‘Waarom heeft niemand ons tegengehouden?’ Nogmaals, de belichting van Murai raakt de kern van de moraliteit van het verhaal en toont ons zichtbaar de strijd tussen licht en duisternis. Wanneer Loquareeous eindelijk ontsnapt aan zijn adoptieouders, volgt hij de bruglichten terug naar zijn ouderlijk huis, en Murai gaat over in het daglicht.

Uw aandacht richten

Murai’s bekwame kadrering leidt de ogen van de kijker naar snippers licht. Hij doorsnijdt de ruimte met blokken duisternis en plaatst objecten op de voorgrond om de kijker het gevoel van voyeurisme te geven. Zijn luchtopnames en camerabewegingen doen denken aan regisseurs als Alfonso Cuarón en Clint Eastwood, wat een verhoogde kwaliteit geeft aan elke present die hij regisseert. Zelfs terwijl hij visuele trucs uitvoert waar anderen alleen maar van konden dromen, voegt hij een andere dimensie van vaardigheid toe door zijn photographs te doordrenken met komedie through onberispelijk geselecteerde muziekelementen die bitterzoete ironie opleveren. Het resultaat is een televisie die beter en indrukwekkender aanvoelt dan de gemiddelde keuken, en die het bioscoopgevoel rechtstreeks bij de kijker thuis brengt.

Leave a Reply

Your email address will not be published.